El estudio de la Armonía se ha enfocado, a lo largo de la historia, hacia el desarrollo de normas (de carácter pedagógico) que marcaran pautas que garantizaran un correcto modo de combinación simultánea de las notas, o de una correcta armonización de una melodía determinada.

La gran mayoría de textos pedagógicos de Armonía, que se utilizaban (y quizás aún sigan utilizándose) en las escuelas de música, seguían esta línea pedagógica, es decir, la de enseñar estas normas estrictas, en muchos casos, acompañadas de ejercicios prácticos, pero “distanciadas” o “aisladas” de un entorno real: el de una composición propia.

Sugerencia bibliográfica

En este sentido, de todos los tratados de Armonía existentes, los de Arnold Shoenberg , tanto en su primer libro “Harmonielehre” (Tratado de Armonía, 1911) y sobretodo, en su posterior “Funciones estructurales de la Armonía” (1947-48), son los que más enfocan el estudio de la Armonía en estrecho vínculo con la construcción de estructuras formales de una pieza u obra.

En términos generales, estos dos libros se cimientan sobre los conceptos de las funciones estructurales de las progresiones armónicas ( y las Progresiones de Fundamentales) y el concepto de Monotonalidad, ambos conceptos del propio Schoenberg.

No entraré en detalle de dichos libros, igualmente.

Está claro que no podemos negar que todos los libros de textos teóricos sobre Armonía te aportarán información muy valiosa y engrosarán tu bagaje sobre el tema.

Pero si que es verdad que algunos de ellos, te acercarán de forma más efectiva, a tus intereses compositivos.

Aprovecho para citarte otro libro interesante por su enfoque.

Es el de Alan Belkin (Principios generales de Armonía).

Como el propio autor indica, no se trata de un típico libro de texto de Armonía, en el que se exponen técnicas específicas de la armonía clásica (Tonal) y/o de la armonía del siglo XX.

Evitando centrarse en una dirección estilística determinada, este libro persigue el objetivo de establecer ciertos principios generales, desde el plano perceptivo, es decir, de como la escucha armónica puede influir en el proceso compositivo.

Es innegable la importancia del estudio de la Armonía, y la riqueza que a su vez, proporciona el análisis de obras de los grandes compositores de la historia. Es necesario para fortalecer tus conocimientos.

Pero como en todo, quedará a tu criterio, por tanto, filtrar la información que no te aporte una solución directa sobre las exigencias que puedan plantearte tus composiciones.

Lo importante en esto es entender cada concepto teórico, en su contexto histórico.

Es decir, cada regla, técnica o norma en el campo de la Armonía (y por supuesto, también en otras áreas), responden a necesidades y requerimientos estilísticos propios de su época.

Por tanto, aunque el conocimiento profundo de las técnicas de la Armonía, no te dará por si solo un estilo personal (o TU estilo personal), la comprensión de cada recurso y la posterior (y consciente) elección de los sonidos (en una melodía o en una secuencia armónica), te darán la posibilidad de ir perfeccionando tu forma de trabajar sobre tus ideas musicales, hasta lograr que esta sean sólidas y coherentes.

Dicho esto, el desarrollo y evolución de tu capacidad creativa, debe estar por sobre todo, a la hora de adquirir conocimientos. Esta debería ser tu premisa.

Por lo que debes evitar que la adquisición de ciertos recursos técnicos, merme dicha creatividad, sino todo lo contrario.

El conocimiento solo debe impulsarla y fortalecerla.

Con esto me refiero a que tu creatividad surja de tu búsqueda de como lograr un sólido interés musical en tus obras, transgrediendo ciertas normas técnicas, luego de tener un total y pleno conocimiento de ellas.

Función estructural de la Armonía

Desde el plano conceptual

Toda forma de expresión, se fundamenta sobre una alternancia de tensión y distensión. La misma se desarrolla a partir del principio de contraste, el cual nace ya, desde la misma creación del Motivo musical (pequeño fragmento melódico característico de una idea melódica).

El objetivo no es otro que el de lograr un equilibrio y coherencia, ya sea a pequeña o a gran escala.

En el plano armónico, aunque pueda estar supeditado al discurso melódico, esto también está presente, y por supuesto, determina la creación del entramado armónico (sucesión de acordes) y su desarrollo a lo largo de la pieza musical.

Uno de los elementos principales para lograr ese equilibrio y coherencia, es la llamada Progresión armónica, siempre en el marco de la música tonal, está claro.

En una Progresión armónica, el encadenamiento de los acordes se plantea de forma ordenada y controlada.

En la música clásica temperada (tonal), toda progresión armónica gira en torno a una Tónica (fundamental).

Y desde el mismo momento que a un acorde fundamental, le sucede otro de su campo armónico, se está generando este “juego” de tensiones y distensiones, dependiendo de las características de la sucesión de acordes.

La diferencia entre sucesión y progresión armónica radica en su función u objetivo.

Una sucesión de acordes puede ser solo una yuxtaposición de tríadas sin un objetivo claro o una función determinada, y puede servirte quizás, para determinados pasajes “descriptivos” o “coloristas”.

En contrapartida, en una progresión armónica, existe un orden preconcebido, y su función dependerá del uso que se le dé.

Puedes usar una progresión para determinar una tonalidad de toda una sección, o bien, para justamente lo contrario, desestabilizarla.

Y es en este punto cuando se transforma en un recurso a nivel estructural, ya que a partir de la función que determines para ellas, podrás construir secciones determinadas de tus obras, ya sean de establecimiento, de transiciones, de modulación, de elaboraciones, de reafirmaciones, de cadencias, etc.

La técnica del bajo cifrado, está hoy en día obsoleta. Salvo que tengas que trabajar sobre un encargo que requiera el uso de esta técnica, es posible que no vayas a utilizarla. Aunque nada te impide profundizar, tanto a nivel teórico como práctico, sobre ella, si así lo deseas. Como ya he dicho, nunca está de más adquirir conocimientos!.

La técnica de la conducción de las voces, es utilizada en gran parte de la música occidental, ya sea clásica o popular.

Por lo tanto es casi un deber para ti lograr cierta habilidad con ella, si te planteas seriamente la Composición de música orquestal o coral, ya sea clásica o popular.

Tener la capacidad de controlar un complejo de cuatro voces, con soltura y eficiencia, debe ser un (mínimo) recurso adquirido para ello.

Desde el plano perceptivo

 Gran parte de la bibliografía teórica, o los llamados Tratados de Armonía, fueron escritos desde una visión pedagógica, respondiendo a las necesidades estilísticas de la música (tonal) de una época determinada.

La finalidad que perseguían era la de establecer determinados procedimientos, conceptos, técnicas, reglas y normas, con el objetivo de garantizar su correcta aplicación en el campo de la creación musical.

La llegada de la música atonal (y su consecuente evolución), más el surgimiento de nuevas tendencias compositivas dentro de la música llamada “culta”, hizo que fuera necesario un nuevo enfoque del estudio de la armonía, sumado al habitual.

Este nuevo enfoque, pone al plano perceptivo, en un papel protagonista.

En este sentido, el libro “Principios generales de la Armonía” de Alan Belkin, plantea la enseñanza de la Armonía, partiendo desde un eje principal: la experiencia auditiva.

Desde esta visión, la mera exposición de técnicas y reglas armónicas, se entendería como incompleta.

Es por ello que entran en juego otros factores que inciden directamente en la percepción, como el plano tímbrico (el cual implica a su vez, un conocimiento de las técnicas de orquestación), la amplitud y el registro en el cual se presenten las relaciones armónicas.

Lo más destacable, a mi modo de ver, de este modo de considerar la Armonía, es la importancia que asume el efecto sonoro que tendrán las relaciones armónicas, y su impacto en el oyente.

En esta primera parte del post, he querido reseñar brevemente, que parte de la literatura pedagógica musical, te acercará de manera más efectiva, a la comprensión de la Armonía, y algunos conceptos sobre sus funciones estructurales.

En la segunda parte, te facilitaré ejemplos concretos de como llevar a la práctica muchos de estos conceptos, para que puedas implementarlos en tus composiciones.

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Nos vemos en el siguiente post!. Hasta pronto!.