Como amante de la composición musical, seguramente alguna vez has imaginado componer una obra para una gran orquesta sinfónica.

Imaginarte las melodías que interpretan los instrumentos, las texturas y atmósferas sonoras, etc. etc.

Suena apasionante, no?.

Es innegable el gran poder sonoro que posee una Orquesta Sinfónica.

Y son casi infinitas las posibilidades expresivas que nos ofrece este medio, debido a su enorme versatilidad.

Particularmente, creo que componer para una Orquesta Sinfónica, es lo máximo a lo que puede aspirar un Compositor.

De todos modos, manejar con cierta idoneidad un “instrumento” de tal magnitud, no es una meta sencilla de alcanzar.

Para ello, es imprescindible que conozcas los principios y fundamentos de la Orquestación (o al menos los mínimamente requeridos), antes de decidir que sea este el medio para la ejecución de tu música.

La tarea de orquestar tiene el mismo nivel de complejidad que la tarea de componer, ya que, haciéndonos eco de las palabras de Alan Belkin, la Orquestación es “el arte de componer con timbres”.

Pero cierto es que, si la composición a orquestar es de calidad, el camino resulta un poco más apacible de transitar.

Con el presente Post, pretendo motivarte a que te introduzcas en este apasionante mundo, y para ello te he preparado estos 7 tips de Orquestación (básicos), que seguro podrás sacarle partido.

Vamos a ello!

# 1 - Focaliza tus esfuerzos iniciales en el conocimiento de los fundamentos básicos de la Instrumentación

No caben dudas que tener un conocimiento sólido de las posibilidades y características técnicas de cada uno de los instrumentos que componen la Orquesta Sinfónica constituye el primer paso (obligado), hacia tus primeros trabajos orquestales.

Esto no solo es importante a la hora de asignar una línea melódica o un pasaje musical determinado a un instrumento en concreto.

También lo es a la hora de combinarlos, ya sean solos o en grupo.

Por otro lado, conocer las posibilidades de cada instrumento, te da un abanico de recursos para desarrollar el componente expresivo de tu música.

Es decir, podrás hacerte una idea previa de que instrumento se adapta mejor a tus intereses expresivos.

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La Orquesta Sinfónica

La Orquesta (clásica o tradicional), está segmentada en tres grandes grupos de instrumentos, divididos según la naturaleza de sus componentes.

Es decir, están los instrumentos Aerófonos (los que se valen del “aire” para la emisión del sonido), los Cordófonos (en los que el sonido surge de la fricción de las cuerdas), y los Percusivos (que producen el sonido, a partir del choque de dos cuerpos).

A su vez, dos de estos tres grupos, se subdividen en dos subgrupos.

En el caso de los Aerófonos se dividen en:

• Viento de Maderas
• Viento de Metales

Esto se ha atribuido (históricamente), a las características del material con el que está construido.

Nota: actualmente se mantiene esta costumbre, a pesar de que no todos los instrumentos que componen el grupo de las Maderas, son construidos de Madera (como es el caso de las Flautas).

Por otro lado, el grupo de Percusión, se subdivide en 2 subgrupos:

• Los de altura determinada
• Los de altura indeterminada

A su vez, cada uno de estos subgrupos, también suele subdividirse en otros 4 grupos:

• Los Membranófonos (se valen de una membrana tensada para producir el sonido, a partir de su vibración).
• Los Idiófonos (que utilizan la totalidad de su cuerpo, como material resonante o vibratorio).
• Los Cordófonos (a partir de la percusión de las cuerdas ).
• Los Aerófonos (idem a los instrumentos de viento tradicionales).

En la Orquesta Sinfónica Contemporánea, se suele agregar un cuarto grupo, los Electrófonos (los que producen el sonido, electrónicamente).

Las Familias de Instrumentos

Dentro del marco de la Orquesta Sinfónica, estas divisiones en la clasificación de los instrumentos, dio lugar a la implementación de la agrupación por Familias.

Así, la Orquesta Sinfónica, se divide en 4 grandes familias de instrumentos:

• Las Maderas
• Los Metales
• Las Cuerdas
• La Percusión

En el siguiente mapa conceptual, verás una formación estándar de una Orquesta Sinfónica:

Cierto es que esta formación puede variar, dependiendo de los requerimientos de la obra que se deba ejecutar.

Pero en líneas generales, se mantiene como “estable” en la mayoría de las grandes orquestas.

# 2 - Persigue la solidez y coherencia en tus composiciones que planees orquestar.

Una vez hayas adquiridos los conocimientos básicos sobre cada uno de los instrumentos que forman parte de la Orquesta, ya estarás en condiciones de adentrarte, poco a poco, en trabajos orquestales sencillos, a modo de práctica.

Los ejercicios podrán estar basados en piezas u obras para piano, de otros compositores. Existen algunas opciones válidas para este propósito.

Por ejemplo, “Cuadros de una exposición” de Modest Mussorgsky, es ese tipo de obras que te permitirá, por su gran riqueza compositiva, su adaptación a la Orquesta a modo de práctica.

Pero cuando se trata de orquestar una composición propia, la calidad de esta, es crucial para el desarrollo de tu trabajo orquestal.

Tu música debe tener esa coherencia vital que permite ser recibida por el oído de forma fluida.

Una forma de “testear” la calidad de tu composición, es intentar adaptarla para la ejecución en uno o dos pianos, de tal manera que se logre plasmar el “sentido” puro de tu música.

Es decir, si al adaptarla al piano, no pierde su capacidad comunicativa, y sus líneas melódicas mantienen la dirección que a priori habías imaginado, es muy factible que la misma se adapte más fácilmente al entramado orquestal.

De no ser así, es preferible dedicar el tiempo necesario a lograr este efecto.

Es una obviedad decir que debes estar a gusto con cada nota que vayas a escribir. Pero a la hora de orquestar, este punto adquiere mayor trascendencia.

Una música bien compuesta, se adaptará mucho mejor a la Orquesta.

# 3 - Cuida al detalle la combinación entre los diferentes timbres (Textura orquestal)

La base de un buen trabajo orquestal, es la óptima combinación de los timbres de los instrumentos que intervienen.

El timbre es un recurso inherente a la música y su impacto en la percepción es decisivo.

En el marco de la Orquesta, este aspecto adquiere una dimensión mayor.

Debes tener presente no solo el timbre de cada instrumento y la combinación de este con otro u otros timbres, sino también, el registro sobre el cual se moverá cada instrumento.

Está claro que debes comenzar por lo básico. Realizar trabajos (prácticos) progresivos, combinando dos o tres instrumentos, probando diferentes registros.

Debes tener en cuenta que la melodía que compongas, tendrá un impacto auditivo diferente en cada instrumento. Solo con la práctica irás encontrando respuestas a estas situaciones.

Por otro lado, cuando ya comiences a trabajar en la combinación de grupos de instrumentos, son muchos más los factores que deberás tener en cuenta.

En este punto, tienes que tener claro que objetivos le adjudicarás a cada pasaje orquestal que vayas creando.

Si tu intención es crear un pasaje orquestal potente, tendrás que sumar timbres. Eso te dará ganancia de potencia, pero debes ser consciente que perderás “color orquestal”.

Por el contrario, lograrás “color orquestal”, a partir de una riqueza tímbrica. Es decir, a partir de la combinación de grupos reducidos de distintos timbres.

La variedad tímbrica, utilizada con intención mesurada, puede darte resultados satisfactorios.

Respecto a este punto, Nicolas Rimsky-Korsakov, en su (gran) libro “Principios de Orquestación”, nos deja el siguiente axioma:

“No existen timbres feos en la Orquesta”

Estés o no de acuerdo con esto, cierto es que cada timbre tiene su particularidad y personalidad propia, y que, combinado o no, te dará un recurso valioso para implementarlo en tu música.

Los siguientes puntos te darán la posibilidad de conseguir buenos resultados, a la hora de experimentar con los timbres:

• Combinar instrumentos de la misma familia (y/o del mismo género).
• Equilibrar a nivel dinámico los instrumentos que trabajan en conjunto.
• Adjudicar partes similares a los instrumentos que tocan en conjunto, sobretodo, en puntos de articulación.
• Distribuir partes en instrumentos que se encuentren en registros cercanos.
• Evitar que un timbre prevalezca sobre otros, salvo que tu intención sea conseguir cierto contraste sonoro.

# 4 - Busca el equilibrio entre las partes

Este es otro aspecto fundamental, quizás el más importante a la hora de orquestar una pieza u obra musical.

Al hablar de equilibrio, nos referimos a intentar que cada instrumento que interviene, sea audible con cierta claridad, sin necesidad de recurrir a diferentes indicaciones de dinámica.

Esto facilitará en gran medida, la ejecución de la pieza (y sus ensayos).

Los directores de las orquestas suelen pasar gran parte del tiempo de los ensayos, ajustando los niveles dinámicos de las partes que interpreta cada instrumento, o cada grupo, para que sean audibles con normalidad.

Esto dará como resultado texturas orquestales más “cristalinas” y equilibradas.

Es verdad que se dan casos excepcionales, en donde recurrir a la combinación dinámica, es inevitable.

Por ejemplo, si quieres que un instrumento interprete un pasaje solista, acompañado por toda o gran parte de la orquesta, deberás indicar una dinámica de menor intensidad (piano ó pianissimo, por dar un ejemplo), al “acompañamiento”.

En la búsqueda del equilibrio, deberás tener en cuenta los siguientes aspectos:

• El número de instrumentos que interpretan una línea melódica determinada. Cuanto mas instrumentos intervengan, mayor peso sonoro tendrá esa línea melódica, y será a su vez más uniforme, si pertenecen a la misma familia.

• Las características sonoras de cada familia de instrumentos. A partir de la cantidad de instrumentos que existe en cada familia, podrás darte cuenta de su potencia sonora. La cantidad de instrumentos de la familia de los Metales es menor al de las Cuerdas, debido a la potencia propia de estos instrumentos.

• Cuanto mayor sea la separación entre las partes, mayor será la comprensión de cada una de ellas. En contrapartida, si agrupas varios instrumentos distintos, en un mismo rango del registro, es más difícil distinguirlos.

• La calidad y el color de cada instrumento, varía a lo largo de su registro, por lo que se debe tener en cuenta cual es el mejor rango en cada instrumento. Esto facilitará en gran medida el equilibrio entre las texturas.

• La mayor o menor “agilidad” de las líneas melódicas, determinará su “lugar” en la textura orquestal. Es decir, si una línea melódica es lenta, esta se perderá en el “fondo” del plano orquestal. Y a la inversa, si es más movida, se sumará con más facilidad en una textura.

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# 5 - Determina la funcionalidad de cada parte

A la hora de buscar el equilibrio que he comentado anteriormente, es importante tener claro que función tendrá cada línea implicada, y la relación que tendrá esta con las restantes.

En este sentido, es aconsejable dividirlo en tres planos: el de la melodía, el de la línea de bajo, y el del acompañamiento.

Es importante que tengas en cuenta los siguientes aspectos, al tratar cada uno de estos planos:

Melodía 

Este punto es importante de cara al oyente, que es quien, después de todo, será el “juez” de tu obra.

En este sentido, es importante mantener un pulso constante y activo a lo largo de toda tu obra.

Esto, ayudado por la asignación de timbres variados, hará que tu obra adquiera una energía mayor, y genere cierta emoción en el oyente. Y asegurará en gran medida, su interés.

Es verdad que debes ir articulando tu discurso musical. Para ello puedes valerte de cambios de registros, timbres, y también de pausas.

Pero debes saber que la articulación mediante una pausa sonora, genera más expectación, por su sensación de suspensión.

Es por ello que debes utilizarla en el sitio adecuado, por ejemplo, para anticipar el cambio a una gran nueva sección.

# 7 - No dudes en utilizar acentos tímbricos 

Las partituras de los grandes compositores, suelen estar provistas en gran medida, de acentos orquestales.

Esto imprime cierto aire grandilocuente a los pasajes musicales, debido a que aportan color y movimiento.

Por lo general, son los instrumentos de percusión los que aportan mayor fuerza a dichos acentos.

Pero también los glissandos del Arpa, o pequeños pasajes de escalas sobre una figuración rítmica “acelerada”, tanto en las cuerdas o las maderas, pueden servir muy bien como acentuación.

Los acentos apuntan hacia dos aspectos funcionales:

1 - Te ofrecen algo que oír en todo momento (incluso en los que la línea melódica principal “toma aliento”).

2 - Dirigen el discurso a la siguiente frase o sección, por lo que ayudan en gran medida a que el impulso de tu música no merme, manteniéndose siempre hacia adelante. Esto también asegura el interés y la emoción en el oyente.

A continuación, me gustaría añadir otro tema muy importante que ayudará en gran medida a tu progreso en este arte.

La audición de obras de los grandes compositores.

Esto es algo casi obligado. Preferentemente, acompañada de la lectura de las partituras correspondientes.

Como la enseñanza práctica del arte de la Orquestación, no es una tarea nada sencilla, por la falta (inmediata) de medios prácticos, la escucha de obras es la mayor fuente de recursos que podemos “tomar prestado” para nuestras composiciones.

No dudes en copiar técnicas que han aplicados los grandes maestros. Es por ello que los llamamos como tal, no te parece?.

Y para finalizar, solo matizar que los tips que te he ofrecido aquí, conforman solo el primer paso en tu andadura en el mundo de la orquestación.

El aprendizaje es de largo recorrido.

Pero no por ello debe desanimarnos, más bien todo lo contrario.

Hasta aquí otro post más del Blog, que espero que haya sido de tu agrado.

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Gracias y hasta pronto!.