Como amante de la composición musical, seguramente alguna vez has imaginado componer una obra para una gran orquesta sinfónica.
Imaginarte las melodías que interpretan los instrumentos, las texturas y atmósferas sonoras, etc. etc.
Suena apasionante, no?.
Es innegable el gran poder sonoro que posee una Orquesta Sinfónica.
Y son casi infinitas las posibilidades expresivas que nos ofrece este medio, debido a su enorme versatilidad.
Particularmente, creo que componer para una Orquesta Sinfónica, es lo máximo a lo que puede aspirar un Compositor.
De todos modos, manejar con cierta idoneidad un “instrumento” de tal magnitud, no es una meta sencilla de alcanzar.
Para ello, es imprescindible que conozcas los principios y fundamentos de la Orquestación (o al menos los mínimamente requeridos), antes de decidir que sea este el medio para la ejecución de tu música.
La tarea de orquestar tiene el mismo nivel de complejidad que la tarea de componer, ya que, haciéndonos eco de las palabras de Alan Belkin, la Orquestación es “el arte de componer con timbres”.
Pero cierto es que, si la composición a orquestar es de calidad, el camino resulta un poco más apacible de transitar.
Con el presente Post, pretendo motivarte a que te introduzcas en este apasionante mundo, y para ello te he preparado estos 7 tips de Orquestación (básicos), que seguro podrás sacarle partido.
Vamos a ello!

# 1 - Focaliza tus esfuerzos iniciales en el conocimiento de los fundamentos básicos de la Instrumentación
No caben dudas que tener un conocimiento sólido de las posibilidades y características técnicas de cada uno de los instrumentos que componen la Orquesta Sinfónica constituye el primer paso (obligado), hacia tus primeros trabajos orquestales.
Esto no solo es importante a la hora de asignar una línea melódica o un pasaje musical determinado a un instrumento en concreto.
También lo es a la hora de combinarlos, ya sean solos o en grupo.
Por otro lado, conocer las posibilidades de cada instrumento, te da un abanico de recursos para desarrollar el componente expresivo de tu música.
Es decir, podrás hacerte una idea previa de que instrumento se adapta mejor a tus intereses expresivos.
Por cierto, si este artículo te está resultando interesante y aún no te has suscrito al Blog, te animo a que lo hagas!. De esa forma, no te perderás publicaciones como esta!.
Te dejo un acceso al formulario de suscripción, para que puedas apuntarte fácilmente.
La Orquesta Sinfónica
La Orquesta (clásica o tradicional), está segmentada en tres grandes grupos de instrumentos, divididos según la naturaleza de sus componentes.
Es decir, están los instrumentos Aerófonos (los que se valen del “aire” para la emisión del sonido), los Cordófonos (en los que el sonido surge de la fricción de las cuerdas), y los Percusivos (que producen el sonido, a partir del choque de dos cuerpos).
A su vez, dos de estos tres grupos, se subdividen en dos subgrupos.
En el caso de los Aerófonos se dividen en:
- Viento de Maderas
- Viento de Metales
Esto se ha atribuido (históricamente), a las características del material con el que está construido.
Nota: actualmente se mantiene esta costumbre, a pesar de que no todos los instrumentos que componen el grupo de las Maderas, son construidos de Madera (como es el caso de las Flautas).
Por otro lado, el grupo de Percusión, se subdivide en 2 subgrupos:
- Los de altura determinada
- Los de altura indeterminada
A su vez, cada uno de estos subgrupos, también suele subdividirse en otros 4 grupos:
- Los Membranófonos (se valen de una membrana tensada para producir el sonido, a partir de su vibración).
- Los Idiófonos (que utilizan la totalidad de su cuerpo, como material resonante o vibratorio).
- Los Cordófonos (a partir de la percusión de las cuerdas ).
- Los Aerófonos (idem a los instrumentos de viento tradicionales).
En la Orquesta Sinfónica Contemporánea, se suele agregar un cuarto grupo, los Electrófonos (los que producen el sonido, electrónicamente).
Las Familias de Instrumentos
Dentro del marco de la Orquesta Sinfónica, estas divisiones en la clasificación de los instrumentos, dio lugar a la implementación de la agrupación por Familias.
Así, la Orquesta Sinfónica, se divide en 4 grandes familias de instrumentos:
- Las Maderas
- Los Metales
- Las Cuerdas
- La Percusión
En el siguiente mapa conceptual, verás una formación estándar de una Orquesta Sinfónica:
Cierto es que esta formación puede variar, dependiendo de los requerimientos de la obra que se deba ejecutar.
Pero en líneas generales, se mantiene como “estable” en la mayoría de las grandes orquestas.
# 2 - Persigue la solidez y coherencia en tus composiciones que planees orquestar.
Una vez hayas adquiridos los conocimientos básicos sobre cada uno de los instrumentos que forman parte de la Orquesta, ya estarás en condiciones de adentrarte, poco a poco, en trabajos orquestales sencillos, a modo de práctica.
Los ejercicios podrán estar basados en piezas u obras para piano, de otros compositores. Existen algunas opciones válidas para este propósito.
Por ejemplo, “Cuadros de una exposición” de Modest Mussorgsky, es ese tipo de obras que te permitirá, por su gran riqueza compositiva, su adaptación a la Orquesta a modo de práctica.
Pero cuando se trata de orquestar una composición propia, la calidad de esta, es crucial para el desarrollo de tu trabajo orquestal.
Tu música debe tener esa coherencia vital que permite ser recibida por el oído de forma fluida.
Una forma de “testear” la calidad de tu composición, es intentar adaptarla para la ejecución en uno o dos pianos, de tal manera que se logre plasmar el “sentido” puro de tu música.
Es decir, si al adaptarla al piano, no pierde su capacidad comunicativa, y sus líneas melódicas mantienen la dirección que a priori habías imaginado, es muy factible que la misma se adapte más fácilmente al entramado orquestal.
De no ser así, es preferible dedicar el tiempo necesario a lograr este efecto.
Es una obviedad decir que debes estar a gusto con cada nota que vayas a escribir. Pero a la hora de orquestar, este punto adquiere mayor trascendencia.
Una música bien compuesta, se adaptará mucho mejor a la Orquesta.
# 3 - Cuida al detalle la combinación entre los diferentes timbres (Textura orquestal)
La base de un buen trabajo orquestal, es la óptima combinación de los timbres de los instrumentos que intervienen.
El timbre es un recurso inherente a la música y su impacto en la percepción es decisivo.
En el marco de la Orquesta, este aspecto adquiere una dimensión mayor.
Debes tener presente no solo el timbre de cada instrumento y la combinación de este con otro u otros timbres, sino también, el registro sobre el cual se moverá cada instrumento.
Está claro que debes comenzar por lo básico. Realizar trabajos (prácticos) progresivos, combinando dos o tres instrumentos, probando diferentes registros.
Debes tener en cuenta que la melodía que compongas, tendrá un impacto auditivo diferente en cada instrumento. Solo con la práctica irás encontrando respuestas a estas situaciones.
Por otro lado, cuando ya comiences a trabajar en la combinación de grupos de instrumentos, son muchos más los factores que deberás tener en cuenta.
En este punto, tienes que tener claro que objetivos le adjudicarás a cada pasaje orquestal que vayas creando.
Si tu intención es crear un pasaje orquestal potente, tendrás que sumar timbres. Eso te dará ganancia de potencia, pero debes ser consciente que perderás “color orquestal”.
Por el contrario, lograrás “color orquestal”, a partir de una riqueza tímbrica. Es decir, a partir de la combinación de grupos reducidos de distintos timbres.
La variedad tímbrica, utilizada con intención mesurada, puede darte resultados satisfactorios.
Respecto a este punto, Nicolas Rimsky-Korsakov, en su (gran) libro “Principios de Orquestación”, nos deja el siguiente axioma:
“No existen timbres feos en la Orquesta”
Estés o no de acuerdo con esto, cierto es que cada timbre tiene su particularidad y personalidad propia, y que, combinado o no, te dará un recurso valioso para implementarlo en tu música.
Los siguientes puntos te darán la posibilidad de conseguir buenos resultados, a la hora de experimentar con los timbres:
- Combinar instrumentos de la misma familia (y/o del mismo género).
- Equilibrar a nivel dinámico los instrumentos que trabajan en conjunto.
- Adjudicar partes similares a los instrumentos que tocan en conjunto, sobretodo, en puntos de articulación.
- Distribuir partes en instrumentos que se encuentren en registros cercanos.
- Evitar que un timbre prevalezca sobre otros, salvo que tu intención sea conseguir cierto contraste sonoro.
# 4 - Busca el equilibrio entre las partes
Este es otro aspecto fundamental, quizás el más importante a la hora de orquestar una pieza u obra musical.
Al hablar de equilibrio, nos referimos a intentar que cada instrumento que interviene, sea audible con cierta claridad, sin necesidad de recurrir a diferentes indicaciones de dinámica.
Esto facilitará en gran medida, la ejecución de la pieza (y sus ensayos).
Los directores de las orquestas suelen pasar gran parte del tiempo de los ensayos, ajustando los niveles dinámicos de las partes que interpreta cada instrumento, o cada grupo, para que sean audibles con normalidad.
Esto dará como resultado texturas orquestales más “cristalinas” y equilibradas.
Es verdad que se dan casos excepcionales, en donde recurrir a la combinación dinámica, es inevitable.
Por ejemplo, si quieres que un instrumento interprete un pasaje solista, acompañado por toda o gran parte de la orquesta, deberás indicar una dinámica de menor intensidad (piano ó pianissimo, por dar un ejemplo), al “acompañamiento”.
En la búsqueda del equilibrio, deberás tener en cuenta los siguientes aspectos:
- El número de instrumentos que interpretan una línea melódica determinada. Cuanto mas instrumentos intervengan, mayor peso sonoro tendrá esa línea melódica, y será a su vez más uniforme, si pertenecen a la misma familia.
- Las características sonoras de cada familia de instrumentos. A partir de la cantidad de instrumentos que existe en cada familia, podrás darte cuenta de su potencia sonora. La cantidad de instrumentos de la familia de los Metales es menor al de las Cuerdas, debido a la potencia propia de estos instrumentos.
- Cuanto mayor sea la separación entre las partes, mayor será la comprensión de cada una de ellas. En contrapartida, si agrupas varios instrumentos distintos, en un mismo rango del registro, es más difícil distinguirlos.
- La calidad y el color de cada instrumento, varía a lo largo de su registro, por lo que se debe tener en cuenta cual es el mejor rango en cada instrumento. Esto facilitará en gran medida el equilibrio entre las texturas.
- La mayor o menor “agilidad” de las líneas melódicas, determinará su “lugar” en la textura orquestal. Es decir, si una línea melódica es lenta, esta se perderá en el “fondo” del plano orquestal. Y a la inversa, si es más movida, se sumará con más facilidad en una textura.
# 5 - Determina la funcionalidad de cada parte
A la hora de buscar el equilibrio que he comentado anteriormente, es importante tener claro que función tendrá cada línea implicada, y la relación que tendrá esta con las restantes.
En este sentido, es aconsejable dividirlo en tres planos: el de la melodía, el de la línea de bajo, y el del acompañamiento.
Es importante que tengas en cuenta los siguientes aspectos, al tratar cada uno de estos planos:
Melodía
Bajo
Acompañamiento
# 6 - Procura mantener la fluidez en tu discurso musical
Este punto es importante de cara al oyente, que es quien, después de todo, será el “juez” de tu obra.
En este sentido, es importante mantener un pulso constante y activo a lo largo de toda tu obra.
Esto, ayudado por la asignación de timbres variados, hará que tu obra adquiera una energía mayor, y genere cierta emoción en el oyente. Y asegurará en gran medida, su interés.
Es verdad que debes ir articulando tu discurso musical. Para ello puedes valerte de cambios de registros, timbres, y también de pausas.
Pero debes saber que la articulación mediante una pausa sonora, genera más expectación, por su sensación de suspensión.
Es por ello que debes utilizarla en el sitio adecuado, por ejemplo, para anticipar el cambio a una gran nueva sección.
# 7 - No dudes en utilizar acentos tímbricos
Las partituras de los grandes compositores, suelen estar provistas en gran medida, de acentos orquestales.
Esto imprime cierto aire grandilocuente a los pasajes musicales, debido a que aportan color y movimiento.
Por lo general, son los instrumentos de percusión los que aportan mayor fuerza a dichos acentos.
Pero también los glissandos del Arpa, o pequeños pasajes de escalas sobre una figuración rítmica “acelerada”, tanto en las cuerdas o las maderas, pueden servir muy bien como acentuación.
Los acentos apuntan hacia dos aspectos funcionales:
1 - Te ofrecen algo que oír en todo momento (incluso en los que la línea melódica principal “toma aliento”).
2 - Dirigen el discurso a la siguiente frase o sección, por lo que ayudan en gran medida a que el impulso de tu música no merme, manteniéndose siempre hacia adelante. Esto también asegura el interés y la emoción en el oyente.
A continuación, me gustaría añadir otro tema muy importante que ayudará en gran medida a tu progreso en este arte.
La audición de obras de los grandes compositores.
Esto es algo casi obligado. Preferentemente, acompañada de la lectura de las partituras correspondientes.
Como la enseñanza práctica del arte de la Orquestación, no es una tarea nada sencilla, por la falta (inmediata) de medios prácticos, la escucha de obras es la mayor fuente de recursos que podemos “tomar prestado” para nuestras composiciones.
No dudes en copiar técnicas que han aplicados los grandes maestros. Es por ello que los llamamos como tal, no te parece?.
Y para finalizar, solo matizar que los tips que te he ofrecido aquí, conforman solo el primer paso en tu andadura en el mundo de la orquestación.
El aprendizaje es de largo recorrido.
Pero no por ello debe desanimarnos, más bien todo lo contrario.
Hasta aquí otro post más del Blog, que espero que haya sido de tu agrado.
No dudes en compartirlo en tus redes sociales, si te ha gustado. Te dejo los enlaces más abajo. No solo me echarías una mano a mi con el Blog, sino que permitirías a otros beneficiarse también de esto, por lo que no sería yo el único agradecido!.
Gracias y hasta pronto!.
Martín Ledesma.
Buenas tardes Martín! Tengo una duda con respecto a la señalización de la partitura en los vientos. En la carrera estamos viendo que se escribe «vientos a 2, 3, 4» etc. pero me gustaría saber como señalizar cuando quiero que dos mismos instrumentos de vientos, por ejemplo, dos flautas, se independicen y dejen de hacer ambas la misma melodía. Muchas gracias! Un abrazo.
Hola Javier!.
Encantado de saludarte. Gracias por visitar el Blog y por comentar.
Respecto a tu consulta, decirte que cuando se quiera que 2 o más instrumentos de un grupo o familia, ejecuten diferentes líneas melódicas, se debe indicar en la partitura «divisi» o su abreviación «div.«, escribiendo, en el mismo pentagrama, las partes a las voces o líneas melódicas correspondientes. Por lo que si se tratara de un grupo de dos Flautas, la línea melódica superior, la interpretaría la Flauta 1 y la inferior, la Flauta 2. Generalmente, él o la instrumentista encargado/a de la línea correspondiente a la Flauta 1, suele disponer de mayor capacidad técnica.
Y cuando se quiera volver a la ejecución al unísono de la línea melódica, debe indicarse «a 2«.
Espero haber resuelto tu duda al respecto!.
Un cordial abrazo.
Muchas gracias por sus indicaciones. Trataré de tener cada una en cuenta, y espero que me sean de buena utilidad. Aunque manejo géneros populares en general, me interesa la orquestación orquestal. Y aunque soy empírico, tengo fundamentos de armonía que espero me puedan ayudar. Me gustaría recibir este post en PDF para tenerlo impreso. Muchas gracias y un saludo cordial.
Hola!
Me alegra saber que te ha sido de utilidad el contenido de este post!. Te animo a que, poco a poco, lo pongas en práctica en tus creaciones. Desde luego que el ámbito orquestal, es apasionante.
Respecto a lo que comentas del pdf, puedes enviarme un email a infocmv@componiendomivida.com.
Gracias por visitar el Blog y por comentar!
Un cordial abrazo!.
hola, este tema sí que es interesante. He estado experimentando con diversos géneros pero ninguno me satisfacía por completo. La orquesta… qué hermoso… por eso he optado por este camino. Por ahora quiero empezar con adaptar temas populares a orquesta, por ejemplo temas de luis miguel, playa limbo… temas de ese estilo. Mi mayor obstáculo por ahora es que tengo poco conocimiento en acordes complejos, bueno más o menos. Pero no es suficiente. Así que creo que devo comenzar primero a investigar y a experimentar con diferentes instrumentos. Porque ya he hecho algunas producciones, pero siento que no me satisface. Inicié hace unas dos semanas más o menos, y artículos como este nos vienen muy bien, muchas gracias. La verdad es que tengo muchas afisiones y no sé vien si dedicarme a la orquestación espesíficamente, o decantarme por otros géneros, pero estaré provando en estos meses, si alguien pudiera compartir material de utilidad les agradecería muchísimo, que soy ciego y abeces cuesta un poco encontrar información útil. Saludos chicos.
Hola Enrique!
Muchas gracias por visitar el Blog y por tu comentario. Me alegra saber que esta información ha sido de utilidad para ti.
Celebro que quieras comenzar en el mundo de la Instrumentación y la Orquestación!. Desde luego que es muy apasionante, a la vez que desafiante. Pero con empeño y un aprendizaje focalizado, seguro que lograrás conseguir todo lo que deseas.
Me parece una buena idea comenzar aprendiendo con los arreglos orquestales de temas populares. Eso te dará una muy buena base. Así que mucho ánimo!.
Y por supuesto, no dudes en contactarme en infocmv@componiendomivida.com, si quisieras realizar alguna otra consulta.
Un cordial abrazo y gracias por comentar!.
Hola.
Soy un ignorante absoluto en estas materias, aunque la música es importante en mi vida. He encontrado este estupendo artículo buscando respuesta a una pregunta que siempre me he hecho. Un compositor ¿Escribe la partitura de cada instrumento?
Gracias y enhorabuena por el artículo.
Hola Carlos!.
Muchas gracias por visitar el Blog y por tomarte el tiempo para comentar!.
Respecto a lo que consultas, si te refieres a la música orquestal, efectivamente. Cada «particella» o parte (como se le suele llamar) de cada instrumento, ha sido creada por el compositor de la obra. De hecho, el compositor que trabaja la música orquestal, compone también a nivel tímbrico, desde una visión global del conjunto orquestal. Es justamente, el arte de la Orquestación.
Espero haber respondido a tu pregunta, Carlos.
Muchas gracias nuevamente.
Un cordial saludo!.
👍
Hola Ronald!
Gracias por tu apreciación!.
Saludos.
Gracias! es un exelente artículo, hace algún tiempo me he interesado en la composición sinfónica y orquestación, soy autodidacta y esto es algo que yo llamaría «un hobby pasional», pues no vivo de esto pero si que me encanta esta tematica, me gustaría algún día ser tan bueno como los compositores que tanto escucho, pero tengo una duda, en este camino empírico como se yo si mi orquestación o composición esta bien hecha??
Hola Jorge!
Me alegra que te haya gustado el artículo y también saber de tu interés por este apasionante arte. Evidentemente, practicarlo con cierta destreza, requiere un estudio concienzudo y un trabajo constante y como digo en el post, de largo recorrido. Pero que en mi opinión, es factible. Todo dependerá del objetivo que te plantees y de la voluntad, la dedicación, el enfoque y la guía que puedas tener, para conseguirlo. Es este último punto, el de contar con una persona que pueda guiarte y con quien poder valorar tus avances, bajo mi punto de vista, será el que marcará la diferencia.
¡Ánimo!, que seguro que lo consigues!.
Un cordial saludo y gracias a ti por comentar y por visitar el Blog!
PD: no dudes en escribirnos a info@componiendomivida.com, si quisieras profundizar más sobre ello.
Muy bueno, recién vengo de terminar un trabajo práctico de orquestación de la materia «instrumentología» (adaptar algunas piezas del Álbum de la Juventud de Schumann a distintas familias). Después de leer estos puntos podría darle una revisada.
Aun no leí el libro de Rimsky-Korsakov (lo conseguí), pero si una buena parte del libro de Adler «El estudio de la orquestación» y otro de Casella-Mortari. Tengo también uno de Hector Berlioz en francés (que por suerte lo hablo), me pregunto cuando tendré tiempo de leerlo.
Gracias por el artículo
Hola Diego!
Muchas gracias por tu comentario y me alegro que te haya gustado el artículo y sobretodo, que pueda servirte para los trabajos que estás realizando!.
El Álbum para la Juventud, es una obra riquísima a nivel compositivo, que para ejercitar la Orquestación, es ideal, al igual que «Cuadros de una Exposición» de Modest Mussorgsky. La riqueza compositiva, es una gran ayuda para poder llevarlas al plano orquestal, lo cual no debe entenderse como una tarea sencilla (… ni extremadamente compleja).
Respecto a la bibligrafía que comentas, el de Samuel Adler, es en mi opinión, el libro más completo de la bibliografía moderna de esta materia. «La Orquesta contemporánea» de Casella – Mortari, como así también, el de Piston y el de Berlioz (que existe versión física en castellano), son también muy buenos.
Igualmente, te recomiendo que intentes leer en cuanto puedas, el de Rimsky-Korsakov, ya que está más orientado a la práctica de la «composición tímbrica». Es fantástico, a mi modo de ver.
Un cordial saludo y gracias nuevamente por comentar.
muy buenos datos a tener en cuenta, no suelo detenerme a leer, pero me parecieron interesantes los puntos que recalcaste para una buena escritura o instrumentación.
me gustaría tener este archivo. como lo consigo?
Hola Pablo!
Me alegra saber que el artículo haya sido útil para ti. Puedes contactarme a través del email del Blog: infocmv@componiendomivida.com.
Saludos!
Muchas gracias Martín.
Siete indicaciones muy interesantes para los que queremos sumarnos a la composición y orquestación sinfónica..
Un fuerte abrazo.
Hola Roberto!
Muchas gracias a ti por tu comentario!
Me alegra saber que haya podido ser de utilidad para ti!.
Un cordial abrazo.
Fantástico artículo, va directo al blanco.
Muchas gracias por tu comentario, José Antonio y me alegra mucho que así te parezca!.
Un cordial saludo.
Exelente trabaj, como podria descargar este articulo
Muchas gracias por el comentario, Edwin!.
Si quieres, puedes suscribirte al Blog, para que pueda enviarte este post en formato PDF.
Un abrazo!.
Martín Ledesma
excelente artículo, muchas gracias por compartir
Muchas gracias por tu comentario, María Luisa!.
Me alegra que así te haya parecido.
Saludos!
LA GENEROSIDAD ES UN ATRIBUTO DE LOS GRANDES…… GRACIAS POR COMPARTIR TUS CONOCIMIENTOS
Muchas gracias por tu comentario, Luis!.
Es una gran alegría que haya sido de tu agrado y utilidad!.
Un abrazo.
Muy interesante, gracias por compartir tus conocimientos.
Hola Jimmy,
Muchas gracias por tu comentario y me alegra que el artículo te haya gustado. Un abrazo!.
¡¡Muchísimas gracias!! Interesantísimo y un buen comienzo (creo 😀 ). Muy orientador y estimulante.
Hola Manuel!
Me alegra enormemente que así te haya parecido!. Que te haya servido como introducción y, a la vez, estimulado a profundizar sobre el tema, es una gran recompensa.
Muchas gracias por tu comentario!.
Un cordial abrazo!
Muy buenos apuntes sobre los principios básicos de orquestación
Hola Daniel.
Muchas gracias por tu comentario y me alegra que tengas esa percepción de este artículo!.
Espero que haya sido de gran utilidad para ti.
Un cordial abrazo.
Martín.
Excelente artículo! muchas gracias!!
Hola Francis!.
Me alegra mucho que el artículo te haya gustado!. Muchas gracias a ti por comentar!. Un abrazo.
excelente info Mr. Martín, muchas gracias
Jesús lo bendiga!
Muchas gracias por comentar, Luis. Que haya sido de tu agrado es la mejor recompensa!. Un abrazo.